Beaux-Arts
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Fille aînée d'Henri Matisse, Marguerite Duthuit-Matisse (1894-1982) était l'un des sujets de prédilection du peintre, en témoigne cet ensemble, montré pour la première fois, composé d'une centaine d'oeuvres. Elle y apparaît dans des portraits tour à tour fauves puis plus austères et géométriques. Après la mort de son père, elle s'attèle à la tâche d'établir le catalogue raisonné de ses oeuvres.
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« Comme importance c'est la Méditerranée. Moi qui ne la connaissais pas, qui suis un homme du Nord, c'est la Méditerranée qui m'a le plus frappé. »
Henri Matisse
La Méditerranée a exercé sur Matisse une fascination continue de sa première visite de la Corse en 1898 à sa fréquentation ininterrompue de Nice entre 1917 et 1954, en passant par de nombreux voyages à la découverte de l'Algérie, de l'Espagne, de l'Italie et, bien sûr, du Maroc.
De l'aveu même de Matisse, le bassin méditerranéen, baigné d'une lumière qui l'émerveille, est déterminant pour son oeuvre, tant dans l'expérimentation d'un nouveau langage que cet environnement lui permet de développer que dans la tradition picturale à laquelle il se rattache ; bien plus encore, dans la médiation qu'il lui offre avec l'Orient et les cultures anciennes.
En effet, Matisse, qui cherche à exprimer sa perception personnelle du paysage, entretient un rapport conceptuel avec la mer et avec la Méditerranée en particulier : une mer constituée d'espaces vécus, sensibles, rêvés ou fantasmés. Cette « machine à fabriquer de la civilisation », comme l'appelle Paul Valéry (premier directeur du Centre universitaire méditerranéen créé à Nice en 1933), devient, pour le peintre, le lieu d'intenses recherches chromatiques et plastiques, celui de la découverte de nouveaux motifs. Elle est surtout, au-delà des évidences et des lieux communs, « un très vieux carrefour » dont Matisse a été un témoin et un acteur, où - selon les termes de Fernand Braudel - « tout a conflué [...] hommes, bêtes de charge, voitures, marchandises, navires, idées, religions, arts de vivre ».
Cette exposition a pour cadre la Biennale des Arts de Nice qui s'inscrit dans l'organisation de la « Conférence des Nations unies sur l'Océan » (UNOC) à Nice en juin 2025. -
Une sélection de dessins par un artiste hors-normes à la renommée singulière pour aborder des questions et des problématiques intimes ou contemporaines.
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"Bien sûr, il y a la fonte des glace, la décrépitude, la trahison, l'agonie. Bien sûr, il y a la mort.
Mais le mignonisme est là, en cherchant bien, à portée de main, pour conjurer le sort et aborder ces rivages incertains, plus apaisé"...
À l'occasion de son exposition au Bon Marché (26 février - 24 avril 2022) Philippe Katerine renoue avec les arts plastiques et signe un livre d'artiste faisant suite à son journal Doublez votre mémoire (2007, aujourd'hui en poche).
Né du confinement, regroupant photographies, dessins et peintures mais aussi sculptures à base de jouets d'enfants, cet ouvrage invite à la douceur et à la beauté des choses dans un monde qui parfois s'essouffle. -
Né en Chine en 1895, Sanyu arrive à Paris au lendemain de la Grande Guerre, dans le sillage des premiers artistes venus d'Asie se former aux techniques de l'art occidental. À la tradition académique de l'École des beaux-arts, le jeune homme préfère toutefois le climat de liberté créative des ateliers de la Grande Chaumière, dans le Montparnasse cosmopolite et euphorique des Années folles. Il y côtoie l'avant-garde artistique et s'initie aux recherches formelles de l'art européen tout en restant fidèle à son propre héritage culturel. Ses dessins suscitent rapidement l'intérêt de ses pairs, fascinés par une ligne souple qui porte en elle toute la richesse et la complexité de la tradition calligraphique et picturale chinoise. Tombé dans l'oubli après sa mort en 1966, Sanyu n'a été redécouvert que récemment. Il est aujourd'hui considéré en Chine et à Taïwan comme l'un des maîtres de la peinture à l'encre moderne.
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100 photos de Man Ray pour la liberté de la presse
Man Ray
- REPORTERS SANS FRONTIERES
- 6 Mars 2025
- 9782362201035
Man Ray (né Emmanuel Radnitsky), l'Américain exilé dans l'effervescence des années folles parisiennes, a redéfini les contours de l'art photographique. Artisan de génie, visionnaire sans limites, il a fait de l'objectif un pinceau et de la lumière une matière. Ses oeuvres, entre audace technique et surréalisme flamboyant, transcendent les époques. Complice des avant-gardes, ami d'Aragon, Éluard, Dalí et Duchamp, inspiré par ses muses Kiki de Montparnasse et Lee Miller, Man Ray nous a légué des icônes intemporelles.
Le portfolio d'une centaine de pages de cet album propose un voyage renversant dans son oeuvre, des toutes premières images des années 1915 aux grandes expérimentations techniques, en passant par les photographies de mode et les portraits de ses illustres amis artistes, le tout éclairé par des contributions inédites : l'histoire de la reine de Montparnasse, Kiki, par José-Louis Bocquet, auteur et scénariste ; un portrait de Man Ray, farouche et libre, par la commissaire d'exposition Emmanuelle de l'Ecotais ; l'histoire d'un important compatriote, l'éditeur Robert McAlmon, par l'écrivaine et éditrice Maud Simonnot. Un extrait de l'autobiographie du photographe (Autoportrait) est reproduit en avant-propos, ainsi qu'un texte de Whitney Scharer sur la relation passionnelle entre Man Ray et Lee Miller. -
Matisse : L'art plus grand
Collectif
Coup de coeur- Éditions Hazan
- L'Art Plus Grand
- 5 Mars 2025
- 9782754116800
« L'artiste doit voir toutes choses comme s'il les voyait pour la première fois. Toute sa vie il doit voir comme il l'a fait quand il était enfant. » Durant sa carrière de peintre, qui a duré près de soixante ans, Henri Matisse (1869-1954) est resté fidèle à ce principe : conserver la fraîcheur du regard, observer chaque chose comme une découverte, laissant ainsi toute sa place à l'émotion. Toutefois, ajoutait l'artiste, « regarder quelque chose comme si nous ne l'avions jamais vu auparavant demande beaucoup de courage » : car si l'instinct lui paraît indispensable, il ne peut s'exprimer qu'à travers un travail permanent, une réflexion constante. C'est donc en conjuguant spontanéité et méthode que Matisse a conduit toute sa création, autour de ce qui a été sa préoccupation essentielle : la couleur. Destinée à bouleverser le regard moderne, son oeuvre s'est exprimée au travers d'une variété de techniques qu'il a toujours cherché à approfondir, à renouveler : peinture, dessin, sculpture, livres illustrés, et jusqu'à cette invention singulière, les gouaches découpées réalisées à la fin de sa vie.
Ce livre rend compte de cette incroyable invention plastique, à travers une cinquantaine d'oeuvres emblématiques, et retrace ainsi dans leur chronologie les incessantes recherches du peintre en ce domaine, depuis la fameuse période « fauve », magnifique explosion de couleurs pures entamée à Collioure, en passant par les somptueuses toiles réalisées sous le soleil du Midi, jusqu'aux ultimes « papiers découpés » qui ont permis au vieil homme de dessiner directement au ciseau dans la couleur. Si certaines influences ont été déterminantes, celle de Cézanne pour commencer, mais aussi plus tard celles de l'Orient, dont il a sublimé les arabesques chatoyantes dans ses Odalisques, ce sont ces nombreux voyages qui ont au fil du temps tissé un véritable métissage de sources d'inspiration. « Vous allez simplifier la peinture », lui avait prédit son maître Gustave Moreau : l'oeuvre de Matisse montre à l'évidence comment son génie s'est exprimé avec une immense liberté, échappant à tout carcan pour exprimer une profonde joie de vivre.
La collection L'ART+GRAND, présentée dans une reliure luxueuse, propose, à travers un texte didactique, de découvrir les plus grands artistes de l'histoire de l'art. Outre une soixantaine de toiles parmi les plus célèbres, l'ouvrage reproduit six tableaux exceptionnels sous forme de DÉPLIANTS grand format qui permettent d'observer ces chefs-d'oeuvre dans les moindres détails. L'ART+GRAND offre ainsi une immersion inédite dans la matière et la touche picturale. -
Carnet Matisse : La perruche et la sirène
Collectif
Coup de coeur- Éditions Hazan
- 5 Mars 2025
- 9782754116824
Le Carnet Hazan Pleine toile Matisse La Perruche et la Sirène est un luxueux carnet dont le motif de la couverture en toile se prolonge dans un jaspage harmonieux. Il offre 128 pages non lignées pour coucher sur le papier toutes vos inspirations.
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Rebâtir Notre-Dame de Paris : Le livre officiel de la restauration
Mathieu Lours
- Tallandier
- Albums Illustrés
- 13 Novembre 2024
- 9791021061972
Le 15 avril 2019, sous les yeux incrédules du monde entier, la charpente et la flèche de Notre-Dame de Paris se transforment en brasier ardent, avant de disparaître du paysage parisien, entièrement consumées après avoir ouvert des brèches béantes dans les voûtes de la cathédrale. L'émotion est immense. Du monument profondément meurtri à sa renaissance en cinq ans, ce livre raconte l'histoire de l'un des plus fascinants chantiers du xxi e siècle. C'est aussi un prodigieux défi, relevé dans l'enthousiasme et la fierté, au coeur de la cathédrale et dans des ateliers partout en France. Rebâtir Notre-Dame de Paris est le livre officiel de cette formidable aventure humaine, illustré par plus de 250 photographies et plans, enrichi de témoignages exclusifs des compagnons, artisans d'art, architectes et ingénieurs qui ont oeuvré, ensemble, à relever Notre-Dame de Paris.
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Valadon (1865 - 1938) catalogue de l'exposition
Nathalie Ernoult, Xavier Rey
- Centre Pompidou
- Catalogues Du Mnam
- 8 Janvier 2025
- 9782386540035
Le Centre Pompidou consacre une monographie à Suzanne Valadon (1865-1938), artiste emblématique et audacieuse, l'une des plus importantes de sa génération. À la marge des courants dominants de son époque - le cubisme et l'art abstrait sont en germe alors qu'elle défend avec ardeur la nécessité de peindre le réel - elle place le nu, féminin comme masculin, au centre de son oeuvre, représentant les corps sans artifice ni voyeurisme
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Exposée dans le monde entier et révérée comme une authentique pionnière, encore méconnue en France : voici Suzanne Valadon, artiste peintre célébrée de son vivant et que l'histoire de l'art a trop longtemps éclipsée.
Rien ne prédisposait la Valadon à une vie d'artiste. Née de père inconnu, la petite Marie-Clémentine trace ses premiers dessins au charbon sur les trottoirs de Montmartre, dans les ruines fumantes de la Commune. Jeune fille, elle se fait appeler Maria et devient modèle pour les grands noms de son temps - Toulouse-Lautrec et Renoir la peignent, Erik Satie en tombe fou amoureux. Mais Maria n'a pas vocation à demeurer une muse : durant ses heures de pose, elle observe ceux qui la peignent et perfectionne sa technique sur son temps libre. Pour elle, peindre n'est pas qu'une affaire de passion, c'est une question de survie quand, dans le Paris de la Belle Époque, les femmes de son rang meurent à la tâche...
Dans ce roman graphique, et au travers d'un documentaire pour Arte, Flore Mongin et Coline Naujalis retracent l'itinéraire hors norme d'une artiste d'une incroyable modernité, dont la vie apparaît comme une succession de frasques romanesques, de rencontres et de coups du sort. S'y révèle une Suzanne Valadon affranchie des conventions ou de la peur du scandale, ne vivant que par et pour son art, déterminée à ce que sa condition féminine et même maternelle n'entrave pas sa vocation de créatrice absolue. -
Surréalisme
Didier Ottinger, Marie Sarré
Coup de coeur- Centre Pompidou
- Catalogues Du Mnam
- 28 Août 2024
- 9782844269881
Le surréalisme d'abord et toujours : exposition, Paris, Centre national d'art et de culture Georges Pompidou, du 4 septembre 2024 au 13 janvier 2025.
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Caillebotte, peindre les hommes
Gloria Groom, Paul Perrin, Allan Scott
Coup de coeur- Éditions Hazan
- 2 Octobre 2024
- 9782754117074
Le catalogue de l'exposition « Caillebotte, peindre les hommes » met au jour, pour la première fois, la prédilection de Gustave Caillebotte (1848-1894) pour les figures masculines et les portraits d'hommes, et interroge la modernité si radicale des chefs-d'oeuvre de l'artiste au prisme du nouveau regard que l'histoire de l'art porte sur les masculinités du XIXe siècle.
Dans sa volonté de produire un art vrai et neuf, Caillebotte prend pour sujet son environnement immédiat (le Paris d'Haussmann, les villégiatures des environs de la capitale), les hommes de son entourage (ses frères, les ouvriers travaillant pour sa famille, ses amis régatiers, etc.) et en fin de compte sa propre existence. Répondant au programme « réaliste », il fait entrer dans la peinture des figures nouvelles comme l'ouvrier urbain, l'homme au balcon, le sportif ou encore l'homme nu dans l'intimité de sa toilette. À l'époque du triomphe de la virilité et de la fraternité républicaine, mais aussi de première crise de la masculinité traditionnelle, la nouveauté et la puissance de ces images questionnent aussi bien l'ordre social que sexuel. Au-delà de sa propre identité, celle d'un jeune et riche parisien, Caillebotte porte au coeur de l'impressionnisme et de la modernité une profonde interrogation sur la condition masculine.
Cet ouvrage réunit les plus importants tableaux de figures de Caillebotte mais aussi des pastels, dessins, photographies et documents. -
Ouvriers, artisans du beau selon Caillebotte
Dominique Auzel
Coup de coeur- Les ateliers henry dougier
- Le Roman D'un Chef-D'oeuvre
- 29 Août 2024
- 9791031206141
Mêlant récit romanesque et enquête historique, l'auteur raconte l'histoire du tableau des Raboteurs de parquet.
Paris, un matin de 1875. Trois ouvriers, torses nus, sont en plein travail. Dans un appartement, outils en main, ils s'affairent à redonner vie au parquet du salon du propriétaire des lieux. Lui, c'est le peintre Gustave Caillebotte. Il a compris qu'il tient là le sujet de sa prochaine toile.
Le tableau des Raboteurs de parquet sera présenté lors du Salon officiel et refusé par le jury, choqué par la " vulgarité " du sujet. Ce tableau pourtant si réaliste et résolument tournée vers la modernité, illustre et rassemble les plus grandes qualités des peintres impressionnistes, dont Caillebotte sera également l'ami fidèle et généreux.
Les Raboteurs de parquet reste l'une des oeuvres les plus célèbres de Gustave Caillebotte, immense artiste du XIXe siècle. Et c'est dans ce tableau - simple en apparence mais riche et lumineux - que l'artiste livre certainement une grande partie de lui-même. -
Bien présent dans la nature, le rose n'a été fabriqué par l'Homme qu'assez tard, que ce soit en peinture ou en teinture. En Europe, avant le XIVe siècle, il est rare dans la culture matérielle comme dans la création artistique. Il devient plus fréquent dans le vêtement à la fin du Moyen Âge grâce à l'emploi d'une teinture importée des Indes puis du Nouveau Monde : le bois de brésil. Sa vogue atteint son apogée vers la fin du XVIIIe siècle, lorsqu'il devient tout à la fois romantique et féminin, symbole de douceur, de plaisir et de bonheur. À la même époque, les horticulteurs parviennent à créer des roses roses : cela plaît tellement que la fleur finit par donner son nom à cette couleur qui jusque-là n'en avait pas.
Aujourd'hui, le rose est moins présent dans la vie quotidienne qu'il ne l'a été à l'époque romantique. Tantôt jugée trop voyante ou de mauvais goût, tantôt appréciée comme couleur emblématique de la modernité (pop art, pink culture), cette demi-teinte fait l'objet d'une reconnaissance ambivalente. L'ouvrage de Michel Pastoureau retrace la longue et turbulente saga du rose en Europe, de l'Antiquité grecque à nos jours, en s'appuyant sur de nombreux documents et sur une riche iconographie. -
Berthe Morisot à Nice. Escales impressionnistes
Collectif
- Mondadori Electa
- 18 Juin 2024
- 9788892826038
Electa publie le catalogue de l'exposition « Berthe Morisot à Nice. Escales impressionnistes », organisée au musée des Beaux-Arts Jules Chéret (8 juin - 29 septembre 2024) en partenariat avec le Palazzo Ducale de Gênes et le musée d'Orsay. Connue pour être l'une des fondatrices d'un groupe qui a changé le cours de l'histoire de l'art, Berthe Morisot (1841-1895) est identifiée comme la première femme impressionniste. Son oeuvre extrêmement variée compte près de cinq cents toiles ainsi qu'un vaste corpus d'aquarelles, de pastels, de dessins et même de gravures. Dans les années 1880, cette prolixité puise son inspiration dans sa découverte éblouie de la Riviera. Cet ouvrage propose d'explorer cet aspect méconnu de la vie de l'artiste qui séjourne à deux reprises à Nice, aux hivers 1881-1882 et 1888-1889. Présentant un nombre important de documents inédits - lettres, croquis, dessins plus aboutis, peintures - et reposant sur de longues recherches, il reconstitue de façon approfondie les villégiatures de Morisot et montre combien la lumière, la végétation, la ville même de Nice ont inspiré l'artiste. De fait, les productions de Morisot liées à ses séjours sur la Riviera mettent au jour la spécificité de son travail, en regard des toiles de Monet et de Renoir qui y peignirent aussi, et révèlent une artiste tout en finesse et en virtuosité.
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Turner, le sublime héritage : En dialogue avec des artistes contemporains
Collectif
- Éditions Hazan
- 3 Juillet 2024
- 9782754117050
Catalogue officiel de l'exposition «Turner le sublime héritage», au Grimaldi Forum Monaco du 6 juillet au 1er septembre 2024.
Cette exposition aura pour point central William Turner et l'héritage qu'on lui doit. Initialement de la veine romantique anglaise, son oeuvre est marquée par une recherche novatrice audacieuse qui le fait considérer comme un précurseur de l'impressionnisme. Renommé pour ses huiles, Turner est également un des plus grands maîtres anglais de paysages à l'aquarelle.
L'exposition fera dialoguer ses oeuvres avec celles d'artistes contemporains, tels que Katie Paterson, Cornelia Parker, Jessica Warboys, Lisa Milroy, Wolfgang Tillmans, John Akomfrah, Peter Doig, Richard Long, Laure Prouvost, Olafur Eliasson, Edward Burtynsky, Roni Horn, Howard Hodgkin, Peter Lanyon ou encore Mark Rothko. -
Chefs d'oeuvre de la collection Torlonia
Collectif
Coup de coeur- Le Seuil
- 21 Juin 2024
- 9782021562835
La collection Torlonia, constituée à Rome dès la toute fin du XVIIIe siècle par Giovanni Torlonia, un richissime banquier et entrepreneur, puis par son fils Alessandro, déploie ici ses chefs-d'oeuvre, dans une impressionnante série que viennent compléter un certain nombre de sculptures conservées au Louvre. La réunion des pièces d'un très haut niveau artistique permet une exploration de la sculpture romaine à travers des genres majeurs (notamment le portrait), des modalités de production (les copies romaines d'originaux grecs et l'assimilation de leurs modèles), ou des typologies spécifiquement romaines (les sarcophages sculptés).
Ce parallèle entre la collection Torlonia et celle du Louvre nous plonge aux racines du goût européen et de l'histoire des musées : d'un côté, une collection princière, enrichie par plusieurs acquisitions successives de collections entières ; de l'autre, un musée public de sculpture antique ouvert sous la Révolution.
L'ensemble des essais réunis ici compte les meilleurs spécialistes du domaine et retrace les étapes et les enjeux du collectionnisme tout en éclairant la beauté saisissante de ces oeuvres uniques. -
Marc Chagall (1887-1985), au fil d'une vie traversée par deux guerres et un exil, est à l'origine d'une oeuvre puissamment ancrée dans l'histoire du XX? siècle. Figure emblématique du déplacement et de la migration, l'artiste sillonne le monde au gré des tourments du siècle, de l'Empire russe à la France, de l'Allemagne à la Palestine, des États-Unis au Mexique et, enfin, en Méditerranée. Son art, empreint d'un profond humanisme et d'une forte conscience politique nourris par ses racines juives et par la pluralité des cultures découvertes, se fait le messager d'un engagement sans faille pour l'homme et ses droits, pour l'égalité et la tolérance entre les êtres. Porté par un grand cri de liberté, il confronte l'oeil aux guerres et aux combats artistiques, transcendés par la force poétique et l'imaginaire, le pouvoir de la dérision et de l'humour. Crayon et pinceau deviennent ainsi des armes de paix, révélant l'idéalisme sans condition du «peintre témoin de son temps», sa foi inébranlable en l'harmonie et la paix universelle entre les hommes.
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«?Être libre?». Le titre de ce catalogue, dédié à la nouvelle exposition de Ben accueillie au Domaine départemental de Chamarande, résonne tout particulièrement alors que le monde entier a dû faire face à un virus et rester confiné des semaines durant. Le moment semble idéal, en effet, pour rappeler notre attachement à la liberté. Par cette simple affirmation, Ben nous étonne une fois encore par l'acuité de son regard sur notre société, par sa pertinence dans l'impertinence de son art, très singulier.
Avec ses mots signés en grand, devenus si familiers, l'artiste questionne, nous interpelle, déconstruit notre réalité, remet en cause nos habitudes. Un chamboule-tout nécessaire aujourd'hui alors que la liberté reste toujours et partout un objet de lutte. Car si le fait d'être libre semble naturel dans nos sociétés, l'actualité récente et l'Histoire nous rappellent sans cesse qu'il n'en est rien et que cette liberté reste un bien fragile, qu'il nous appartient de chérir et de protéger.
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Les manières de Viollet-le-Duc - La forge d'une théorie de la restauration par la pratique
Bérénice Gaussuin
- CNRS
- Histoire
- 13 Juin 2024
- 9782271147257
Notre-Dame de Paris, le Mont Saint-Michel, Carcassonne, etc. : Viollet-le-Duc, le grand restaurateur du XIXe.
Souvent décrié pour ses restaurations perçues comme arbitraires, Viollet-le-Duc apparait ici, au contraire, comme un architecte respectueux de l'esprit des bâtisseurs.
Une réflexion sur le sens de la restauration par une praticienne, architecte du patrimoine.
Architecte érudit, dessinateur exceptionnel, Eugène Viollet-le-Duc a laissé le souvenir d'un restaurateur abusif. Ce livre nous plonge dans un véritable tour de France architectural afin de dévoiler la forge de sa théorie de la restauration " sur le tas ", au fil de ses chantiers sur des monuments connus (Saint-Denis, Notre-Dame de Paris) ou moins connus (Notre-Dame de Beaune, la porte Saint-André d'Autun).
L'ambition du restaurateur s'avère multiple. D'abord conserver le monument dans une perspective archéologique, et opérer des ajouts créatifs dans l'esprit des bâtisseurs d'origine afin de le compléter et le maintenir en usage.
Mais aussi faire renaître à travers le chantier les savoir-faire et les valeurs médiévales au coeur de ce XIXe siècle troublé. -
Le 31 mai 2023, Ellsworth Kelly (1923-2015) aurait eu 100 ans. A partir de l'observation de son environnement direct, il a redéfini l'abstraction dans la seconde moitié du XXe siècle, conduisant ses formes épurées, aux couleurs souvent éclatantes, au-delà des attendus de la peinture et de la sculpture.
Près de dix ans après sa disparition, ses oeuvres exercent toujours la même fascination, par leur intensité et leur équilibre, la qualité de leurs adresses visuelles, les espaces qu'elles créent, leur sensualité paradoxale exprimée dans la rigueur. La Fondation Louis Vuitton a la chance de témoigner quotidiennement de cela grâce à la présence dans son auditorium d'une installation pérenne, une des toutes dernières réalisations de l'artiste.
Cet ouvrage offre une introduction et un panorama de son oeuvre, à l'image de l'exposition qu'il accompagne et qui se tient à la Fondation Louis Vuitton du 7 mai 2024 au 9 septembre 2024. Première exposition en France à aborder son oeuvre avec un spectre chronologique aussi large, elle est composée de plus de centaine d'oeuvres, peintures, dessins photographies et collages. Comme elle, ce livre permet d'appréhender pleinement le travail accompli par l'artiste. Ses travaux sont reproduits ici accompagnées d'études de familiers de son oeuvre (Jean-Pierre Criqui, Suzanne Hudson) ou d'apports sur des aspects moins connus (Corey Keller sur la photographie, Alex da Corte sur la liberté se son oeuvre, Sarah Rogers sur sa réception au Moyen-Orient). Il comporte aussi une chronologie richement illustrée. Peter Eeleey y revient notamment sur le séjour décisif de Kelly en France dans l'immédiate après-guerre, son apport à la scène américaine au tournant des années 1950 et 1960. Et plus en aval, il suit le développement et les ramifications complexes d'une oeuvre abordant toutes les échelles de la perception, du trait sur une feuille, à l'intervention dans l'espace architectural. -
Créé en 1911, L'Atelier rouge d'Henri Matisse est devenu l'une des oeuvres les plus influentes de l'histoire de l'art moderne. Acquise en 1949 par le Museum of Modern Art (MoMA) de New York, où elle est depuis exposée, cette toile représente l'atelier de l'artiste à Issy-les-Moulineaux, en proche banlieue parisienne. Elle montre un espace rempli de peintures, de meubles et d'objets décoratifs. La décision radicale de Matisse de recouvrir de rouge la majeure partie de la surface du tableau a fasciné des générations de chercheurs et d'artistes, mais il restait encore beaucoup à découvrir sur la genèse et l'histoire de l'oeuvre.
Cet ouvrage abondamment illustré accompagne l'exposition consacrée à L'Atelier rouge qui réunit, pour la première fois depuis qu'ils ont quitté l'atelier de l'artiste, les tableaux, sculptures et objets qui y figurent - qu'il s'agisse des trois peintures aujourd'hui conservées au Danemark dans les collections du SMK - Statens Museum for Kunst, dont Le Luxe (II) (1907-1908), ou de pièces moins connues qui n'ont été localisées que récemment.
Publié en français à l'occasion du volet parisien de l'exposition à la Fondation Louis Vuitton, Matisse, L'Atelier rouge propose des analyses d'Ann Temkin, The Marie-Josée and Henry Kravis Chief Curator of Painting and Sculpture au MoMA, et de Dorthe Aagesen, chercheuse et conservatrice en chef au SMK. Ensemble, elles retracent le parcours du tableau de Matisse, de sa commande initiale à son arrivée à New York, en passant par l'historique de ses expositions et de ses propriétaires successifs. Par leurs recherches approfondies et leur lecture attentive, elles transforment notre compréhension de cette oeuvre clé de l'art du XXe siècle.
